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Con un po’ di nostalgia siamo costretti ad abbandonare questo blog dopo quasi due anni di attività. Dopo un breve periodo di transizione rimarrà in linea solamente il nostro nuovo sito come unico indirizzo web ufficialmente legato e gestito dalla redazione di ConAltriMezzi, mentre questo vecchio blog verrà eliminato. Si chiude un capitolo per aprirne immediatamente un altro. Cogliamo inoltre l’occasione per dire che ConAltriMezzi ha in serbo altri progetti per il nuovo anno: nuove uscite, nuove iniziative, nuove collaborazioni. A cominciare dalla nostra nuova casa. Perciò continuate a seguirci su CONALTRIMEZZI.COM, iscrivetevi alla newsletter e supportateci attraverso la nostra pagina di Facebook.

Si tratta di un trasloco, niente di più. Lo spirito di ConAltriMezzi non cambia. Questo è solo un nuovo inizio.

Il sipario ducale è un romanzo particolare sin dalla sua genesi. Fu infatti scritto in pochi mesi “per protestare” contro il gusto dei critici e dei lettori italiani che nel 1974 accolsero con favore La storia di Elsa Morante (romanzo che venne pubblicizzato in una maniera che in un certo senso anticipò i vari “casi editoriali” dei decenni successivi) snobbando Corporale, romanzo molto sperimentale che fu penalizzato da una controversa vicenda editoriale. Venne in pratica stampato di nascosto dalla Garzanti a fine 1974 per poi essere ripubblicato all’inizio dell’anno successivo dalla Einaudi che nel frattempo aveva aperto un contenzioso con l’autore, il quale reagì scrivendo di getto un altro romanzo, più tradizionale. Il sipario ducale come La storia presenta un impianto narrativo di modello ottocentesco: se Morante guardava a Dostoevskij Volponi aveva invece in mente Manzoni.
Il protagonista è un intellettuale di sinistra, il professor Gaspare Subissoni, che vive a Urbino con la compagna Vivés. Il romanzo si apre proprio con l’immagine del professore che traccia sulla neve una scritta contro l’Unità d’Italia, il cui centenario si era festeggiato otto anni prima rispetto a quando è ambientato il romanzo. Subissoni e Vivés hanno combattuto a fianco degli anarchici durante la guerra civile spagnola, quindi sono dei rivoluzionari in pensione che portano con sé un pezzo importante della storia contemporanea europea. Fuori dalla storia vive invece il rampollo di una nobile famiglia aristocratica di Urbino, gli Oddi-Semproni, di cui a inizio romanzo si narra la lunga provenienza tramite un excursus sul ‘500 e sul ‘600. Egli aspetta, chiuso nell’avito palazzo, di compiere la maggiore età per entrare a tutti gli effetti a far parte di “quelli che contano” nella società; nel frattempo trova in Dirce, una ragazza del popolo, la compagna ideale per dare una discendenza alla sua stirpe. Il romanzo racconta così parallelamente le vicende di due personaggi agli antipodi, un nobile virgulto pronto per divorarsi il mondo e un vecchio rivoluzionario stanco e annoiato, colpito per lo più dalla perdita dell’amata compagna Vivés. I due personaggi arriveranno alla fine del romanzo a incrociarsi e sfidarsi, dopo che un evento tanto cruciale quanto fosco per l’Italia spingerà Subissoni ad uscire dal letargo. La strage di piazza Fontana del 12 dicembre 1969 (di cui proprio oggi è l’anniversario) viene vissuta in maniera completamente diversa dai due protagonisti: il nobile segue distrattamente l’evento alla televisione sentendosi tanto più estraneo ai fatti quanto più essi sono gravi, mentre il professore pensa subito alla fragilità della democrazia e dello Stato italiani. Sarà la morte di Vivés, che ha pensato subito ai compagni anarchici, a convincerlo ad andare a Milano e a non lasciare che la storia sia solo una pellicola diretta da qualcun altro che ci passa semplicemente davanti. Essa è in realtà la vera protagonista del romanzo, sia quando è un mero dato di cronaca familiare, sia quando cambia la vita delle persone fissandosi in date immortali, come quella dell’Unità d’Italia, sia quando è legata a vicende personali e politiche, come nel caso della guerra civile spagnola, sia quando fa irruzione nella normalità, come nel caso dello scoppio delle bombe, la cui responsabilità venne inizialmente attribuita agli anarchici, che trent’anni prima avevano tentato di salvare la Spagna e l’Europa dalle derive fasciste e totalitarie. Corsi e ricorsi storici, direbbe Vico; ma se la storia si ripete allora noi abbiamo la responsabilità almeno di non dimenticarla, ma non dobbiamo fermarci qui. Occorre anche cercare un rapporto vivo e autentico con essa. A quarantadue anni di distanza dalla strage, la prima purtroppo di una lunga serie, ora che la storia giudiziaria sembra (e occorre sottolineare “sembra”, perché non sempre il tempo sistema le cose) aver chiarito che le responsabilità sono attribuibili a gruppi terroristici di estrema destra con l’aiuto di parti corrotte e deviate dell’apparato statale, mi pare che leggere Il sipario ducale di Paolo Volponi, oltre che ovviamente informarsi con precisione sulla strage e sulle vicende giudiziarie di questi anni, possa essere un buon modo di riflettere sulla nostra appartenenza a questo Stato e sulla nostra responsabilità civile.

Paolo Volponi, Il sipario ducale, Milano, Garzanti, 1975. (Ora pubblicato da Einaudi)

di Alberto Bullado.

Fiorello ha fatto il botto in una nazione dove sono i ministri piangere per i salassi economici e non i loro (non) elettori. Il caso di Fiorello viene quindi buono per parlare di qualcos’altro che non sia la crisi, della quale nessuno ha voglia di capirci nulla. Funziona un po’ come i “telefoni bianchi” durante Mussolini. Altra epoca, altra marca di leggerezza. E di maniera, nelle lodi intessute addosso a Fiorello, anche da parte di una certa intellighenzia progressista, se n’è vista e sentita parecchia. Quindi il lunedì, quando ancora l’Italia profumava di vaselina per le lugubri manovre finanziarie enunciate la domenica, si mette davanti alla tv per ridere ed acquistare non tanto ottimismo e spensieretezza, ma coagulare il proprio senso dell’essere, passando dallo spread allo share. Il risultato è stato un evento collettivo strabiliante. La Rai eiacula anche se il proprio seme è trattenuto dal profilattico di Fiorello che non è andato giù ai preti. Forse è stato proprio il “Salva-la-vita-Pischelli” a mobilitare i nipotini italiani di Voltaire, un po’ ammazzapreti, un po’ chierichetti di Repubblica e dell’Unità. O forse le risatine sdrammatizzanti e garbate sulla crisi e su Berlusconi. In più aggiungici quel mix di professionalità e Roberto Benigni che uno, dicono, dovrebbe aspettarsi dalla tv di stato. E quindi ecco il sospiro di sollievo. L’Italia si riconcilia con il proprio nazionalpopolare. Avviene il miracolo: le forze progressiste ricuciono lo strappo con la plebe televisiva e danno il loro beneplacito: pollice in su. Ad eccezione dei duri e puri, naturalmente, come la Guzzanti (“Fiorello? Noiosissimo”) o Santoro (“Fiorello? Un ansiolitico perfetto”). “Lasciate perdere i soliti comunisti”, sembrano voler dire i moderati, “loro arricciano il naso perché sono snob e non capiscono un cazzo”. E lo dicono coloro che in portafoglio hanno il santino di Veltroni o, se sono più stagionati, della DC.

Ma la verità è che il nuovo “radical chicchismo” non sta più nel dimostrarsi al di sopra, o di esibire eccentricità non convenzionale, ma di volersi dimostrare “nazionalpopolar-friendly”, una diminutio retorica che mantiene, in ogni caso, l’atteggiamento di quelli che sanno una pagina in più del libro. E che vorrebbero farti intendere che il discernimento del banale, nelle loro mani, sia una scienza non solo esatta, ma nobilissima, tanto è il pedigree dei loro affilati neuroni. È il caso dell’agghiacciante articolo di Lorella Zanardo, che dice la sua su Fiorello snocciolando un repertorio assai ricco di perle. Ad esempio dice che Gramsci si sarebbe occupato di Fiorello, che «non è importante se Fiorello ci piace o no», (ah no?) perché se una cosa è «nazionalpopolare occupiamocene!». E poi che «Fiorello si fa portatore di una modalità nuova e contemporanea di relazionarsi alle donne»,  che «Fiorello è un entertainer a tutto tondo: canta, balla, imita, caratterizza, si relaziona a personaggi di alto profilo internazionale con savoir faire» (esticazzi), che «se ti vuoi relazionare a Tony Bennett devi prepararti poiché non basterà fare la gara delle pernacchie», altro che Barbara D’Urso (“che entrino le bocce di Cristina e Francesca”). Ma la Zanardo rincara. Fiorello ha avuto il merito di introdurre «da subito maieuticamente» Elisa. Fiorello ospita la nazionale di pallavolo femminile, tutte gnocche, senza sbavare come un maschio, di modo che le ragazze da casa possano dire: «“Anch’io gioco a pallavolo, magari anch’io potrò gareggiare. E vedi un po’!, per una volta la telecamera non ha inquadrato il culo della giocatrice mentre schiaccia.”», quindi un passo in avanti tale da poter dire che «ha fatto più il nazionalpopolare Fiorello in un mese che Fazio e Santoro in vent’anni». Hai capito? E tutto ciò «accade in tv. Ad una trasmissione popolare». Mai vista tanta grazia. Queste e molte altre argutissime valutazioni. Poco importa se Roberto Benigni fa ridere mezza Italia con la merda (peraltro la parte più riuscita del suo intervento, “moscio” secondo molti) al cospetto di quella stessa Italia nazionalpopolare intenta a sorbirsi “Il più grande spettacolo dopo lo spread”.

Ora io non ce l’ho con la Zanardo, ma con un certo prototipo mentale, l’attitudine, la predisposizione alla blatera, che è pur sempre blatera ma saccente. Se fino a qualche anno fa l’italiano medio era il berlusconiano (alle urne o in divano poco importa), ovvero il figlio del biscione, diretto parente degli italioti dei Mostri di Risi o del Borghese piccolo piccolo di Monicelli e così via (così almeno dice la vulgata), oggi l’italiano medio è quello che dice di non esserlo e che ostenta la sua non appartenenza alla categoria senza però prendere i voti, ma questo solo a parole, della casta degli stronzi. Ci si smarca dal salotto radical chic (etichetta oramai nazionalpopolare) per apparire più radical, ovvero avvicinandosi, paradossalmente, al sentire comune (una partita di ping pong potenzialmente infinita). L’italiano medio è quindi complice del medium di massa qualunquista, compreso quel giornalismo allineato e che si fa carico di simili istanze e che gli italiani apprezzano per via della rassicurante medietà (condivisa praticamente da ogni firma che conta, ma anche da quelle emergenti). Eccolo quindi il nuovo italiano medio: un individuo semplice, smussato, ma egocentrico. Una mediocrità diversa rispetto alla miseria becera del passato, che vive il proprio conformismo come virtù, che esibisce i propri luoghi comuni come sacramenti di una religione cool-lettiva. Un italiano medio evoluto e diversamente imbecille. Meno ignorante e più saccente.

Esiste un vaccino a tutto questo e si chiama Fulvio Abbate, scrittore, giornalista, intellettuale di sinistra, videoblogger, padre di Teledurruti. Un personaggio sarcastico ed autoironico che non sempre viene capito. E cosa dice il “marchese” Fulvio Abbate? Che «dalla scorsa settimana, la televisione ha un patrono nuovo, san Rosario Fiorello da Valtur. Un Padre Pio, decisamente spigliato, in smoking» le cui battute sono «da refettorio-minigolf». Siamo quindi «al Bagaglino dal volto umano». Il patron di Teledurriti si accanisce contro san Rosario, ma non con il fare del rosicone dell’ultima ora, no, lui, il Fiorello nazionale, lo tiene d’occhio da molto tempo, senza concedergli quartiere. Non tanto per disprezzare la persona in sé, ma per opporsi alla cifra culturale che rappresenta e che diffonde. Quell’aura che gli italiani assimilano come un’inestimabile fragranza, come fossero distesi sul lettino abbronzante dell’umana virtù. E quindi pane al pane e vino al vino: Fiorello è un qualunquista. O forse, peggio, l’erede di Berlusconi: «la simpatia come mistificazione, il luogo comune come narcosi, la barzelletta come idea della critica dell’esistente», il tutto da celebrare durante il clistere serale davanti alla televisione. In questo modo Rosario Fiorello, responsabile della «liberalizzazione dell’altrimenti impresentabile Ignazio La Russa», sale al «trono più alto dell’auspicata calma piatta mentale televisiva» che «prende il nome di consenso, anzi, di share». Eccolo il rito collettivo, la sublimazione catodica, l’eucarestia della tv di stato. Buona «sia per il cattolico con faccia da economato in ascesa sia per il veltroniano incerto fra referendum a favore delle unioni fra gay e pomeriggio al cinema a vedere “Scialla! (stai sereno)”, un titolo, un programma. Di mezzo c’è “Il più grande spettacolo dopo il weekend”, varietà-breviario della ritrovata illibatezza post-berlusconiana» (da San Rosario Fiorello Fatto Quotidiano del 22 novembre 2011).

E Aldo Grasso che dice? Il sacerdote catodico “par exellence” nota la fiacchezza di un Benigni ritrito e su san Rosario dice queste cose qui: «Fiorello sa interpretare come pochi lo spirito nazionale, l’unica cosa che ci tiene insieme, destra e sinistra, profilattici compresi: la nostra meravigliosa semplicioneria sentimentale, quella fatuità dolce che ci strappa una risata anche nei momenti peggiori». Ecco l’essenza del nazionalpopolare. Quello che va a genio ai nuovi radical chic postberlusconiani. Qualcosa di piuttosto evidente ma che non indigna o fa schifare i nazionalpopolar-friendly. Sarà il Natale che si avvicina, durante il quale siamo tutti più buoni, sarà quello che volete, ma ora il popolo piace anche se fino all’altro giorno bue, buzzurro e puzzolente. «Il più grande spettacolo dopo il weekend è stato uno show che ci ha riconciliati con la professionalità. (…) Per la gioia dei complottisti e dei rosiconi che potranno vedere in queste convergenze un efferato disegno sublimato dalla spensieratezza “democristiana” di Fiorello». Ma la professionalità può bastare? Secondo Abbate è addirittura, nel caso di Fiorello, un’aggravante, mentre Aldo Grasso e la Zanardo ripetono quello che dice anche la casalinga dall’ortofrutta: “Fiorello è bravo. Fa ridere, sa presentare e sa cantare”. Esticazzi, dico io. Che mi frega di sentire Fiorello cantare, imitare, presentare, intrattenere? Posso credere di vivere meglio senza vederlo cantare, imitare, presentare, intrattenere? A quanto pare, secondo la stampa, esiste al contrario il dovere intellettuale di esaminare il fenomeno tirando fuori la maieutica (Zanardo) o la sociologia dei semplici (Grasso). Ad ogni modo dal Fiorello-show non si scampa. Dovere di italiano misurarsi con la sua professionalità. Impressionatevi o non onorerete la bandiera. Un po’ lo stesso atteggiamento che si è soliti riservare a Benigni: lui legge Dante. Come a voler dire: Benigni è Benigni (ha vinto l’Oscar, mecojoni) e poi se uno legge Dante, legge Dante, mica cazzi. Se leggesse Proust non lo cagherebbe quasi nessuno, ma poco importa. Quindi Benigni legge Dante e Fiorello sa fare tutto: eroi nazionali. E se tu non lo riconosci sei uno stronzo.

Morale della favola: i bonzi del pensiero unico colpiscono ancora. Il dibattito “Fiorello-ha-fatto-il-botto-quindi-merita” vs. “Fiorello-piace-a-tutti-quindi-fa-schifo” non è altro che il prodotto di un tale conformismo. E se qualcuno agita la bandiera del sacrosanto “sticazzi” è uno sfigato fuori dal mondo, un astioso senza arte né parte. Ma tra i due fronti l’un contro l’altro armato non vi è una reale contrapposizione (un po’ lo stesso discorso che si faceva anni fa con Berlusconi). In mezzo vi è il consenso messmediatico: il successo come somma di voci. Non a caso si parla di tv generalista, e difatti, cari miei, lo share è bipartisan. Alla Rai mica frega per quale motivo guardi Fiorello, se l’apprezzi o lo infami. Loro si sfregano ugualmente le mani. L’omologazione passa quindi per l’imprescindibilità dell’evento in sé. Il buon senso suggerisce l’obbligo dello smarcarsi da certi derby rionali ma in questo caso no, non si può, perché l’auditel ce lo impone come un affare di stato, proprio come l’ICI sulla prima casa (a proposito: a quando l’ICI sulla prima chiesa?…).

Ora rivolgo una domanda ai compiaciuti del nazionalpopolare ritrovato: ma se uno il lunedì decideva di spendere la propria serata guardando Biscardi è più o meno scimmia di chi televotava le nomination del GF o di chi si infervorava durante le orazioni civili di Benigni che prende quel che prende di cachet in tempo di crisi salvo poi devolverlo in beneficenza (perché allora la Rai dovrebbe far passare il denaro nelle mani del comico? Perché non darlo direttamente agli orfanelli)? E se invece quel lunedì sera quel tale non avesse acceso la tv, perché fuori con gli amici, o con la fidanzata, o a leggere un libro, o a vedere un film, o a chattare davanti al computer? Chi è in grado di misurare le persone con l’italiano-mediometro? Probabilmente è anche questo il punto: e cioè che esiste altro oltre alla fuffa, alle diatribe tra scribacchini e meteorini dell’auditel e cioè la vita, la socialità o il fottutissimo e beato dolce far nulla a rimirar il soffitto. Quindi esistere senza la tv, Fiorello e lo share. Sapete, ogni tanto si può farne a meno. Perché non è la marca del populismo dal quale si attinge da determinare la genetica di un individuo. Se invece l’Italia si sveglia la mattina credendosi più intelligente perché la sera prima ha guardato Fiorello anziché il Grande Fratello, ecco, credo che questo sia un problema. Il classico calo d’intelligenza in favore dell’ego. Succede spesso in Italia. Leggo Saviano, guardo Santoro, seguo Travaglio e sono un italiano d.o.p. Al giorno d’oggi ci basta addirittura Fiorello: l’effetto day after dalla dipartita di Berlusconi? E quindi, se non si fosse ancora capito, la lezione che dovremmo apprendere è la seguente: evviva l’Italia postberlusconiana che finalmente distrugge il GF e riparte da Fiorello e da Jovanotti. Ora siamo a cavallo, possiamo riprenderci il nostro futuro lanciandoci alla carica sulle note della Pausini.

Educazione europea, Neri Pozza, 271 pp. – romanzo d’esordio di Romain Gary, nel 1945 – rientra in quella ristretta categoria di romanzi capace di conciliare la trama narrativa e l’annuncio che l’autore vuole trasmettere al lettore. La storia vede come protagonista un giovane ragazzo polacco di nome Janek che vive negli anni drammatici dell’occupazione nazista del suo Paese. Nascosto dal padre in una buca di fortuna nella foresta vicina alla sua città, decide di andare in cerca dei partigiani, così come gli aveva suggerito il padre nel caso in cui non l’avesse più visto tornare. Il ragazzo si imbatte in un gruppo di partigiani che si nascondono nella foresta e si apprestano ad affrontare il lungo e freddo inverno. Il gruppo a cui aderisce il ragazzo è un po’ pigro e a parte qualche missione di staffetta (con tutt’altri scopi di quelli militari) saranno poche, anche se decisive, le azioni di resistenza a cui prenderà parte. Fondamentali saranno invece le amicizie che stringerà il ragazzo con i suoi compagni, ognuno dei quali gli trasmetterà un tassello importantissimo per la sua precoce formazione umana e politica. Lo studente Dobranski, partigiano-scrittore, gli insegnerà il bisogno della libertà, necessaria per non disperare; la foresta gli insegnerà a patire la fame, il freddo, ad accettare la malattia e la morte; l’anziano Pan mecenas, pronto ad immolarsi in un’azione suicida (una delle poche appunto) pur di dimostrare il suo valore alla giovane moglie, gli insegnerà l’orgoglio; gli altri compagni, nei piccoli gesti e nelle brevi frasi sussurrate, gli insegneranno la dignità umana. Ultima ma non meno importante lezione sarà quella della tenera Zosia, che lo inizierà all’amore.
Ma la formazione di Janek non rappresenta una trama fine a se stessa, bensì è il mezzo per sollevare con urgenza il messaggio che l’autore ci vuole comunicare: ritrovare l’umanità, nella sua dignità e nella sua capacità di non disperare. Le violenze, gli stupri, i denti che battono per il gelo, la miseria, il tradimento per sopravvivere non hanno fatto disperare i popoli europei, non li hanno gettati nella disperazione, bensì li hanno indotti a continuare a soffrire, a dormire sotto la neve, finanche a offrire e sacrificare il proprio corpo pur di mantenere alto l’anelito di una rinnovata Europa, fondata sulla solidarietà, nella quale l’educazione non fosse quella delle «bombe, dei massacri, degli ostaggi fucilati, degli uomini costretti a vivere nelle tane come bestie» che pur in essa ha avuto origine, bensì quella forgiata su «nuove parole» spoglie delle «parolacce e del dolore», un’Europa nella quale i ragazzi come Janek possano risparmiare gli innocenti che se ne stanno chini sul ghiaccio, rassegnati, pronti a ricevere il proiettile in volto solo perché hanno una divisa diversa dalla loro.
Scritto con una prosa capace di disarmare qualsiasi tipo di estraneità temporale ed emotiva del lettore, efficace nei dialoghi colmi di sofferenza e vita, Educazione europea è un romanzo ben riuscito che incanta e terrorizza il lettore nel percorso formativo di questo ragazzo, riuscendo a coinvolgerlo sia nella narrazione sia nelle mille bellissime riflessioni dei personaggi sulla natura umana, sull’odio e l’amore e che costituiscono nell’insieme il messaggio che abbiamo tratteggiato.
Rimangono scolpite nella memoria del lettore piccole chicche, brevi frasi che alimentano quella potenza espressiva che già nelle prime pagine si comincia ad assaporare e che non sarà smentita in altri lavori di Gary, come «le sofferenze vi insegneranno ad essere umani…» (p. 87) o l’ultimo, accorato e profetico, scambio di battute tra Dobranski e Janek, rispettivamente: «“Vorrei che fossero fieri di noi e che si vergognassero…” / “Saranno fieri di loro stessi e si vergogneranno di noi”» (p.271).
Un libro da tenere sempre a portata di mano, per riprenderlo nei momenti più bui… e non disperare.

Romain Gary, Educazione europea, Neri Pozza, 2009

12 racconti. 12 autori under 30. Padova, la sua università, migliaia di studenti tra i quali vibra una passione nascosta e senza voce: sogni e idee che spesso non trovano realizzazione, che rimangono impressi in pagine che nessuno leggerà mai. Una realtà che ConAltriMezzi, gruppo di lavoro e rivista online di cultura ed attualità, ha cercato di portare a galla in questa raccolta. Ecco il senso di Write not die: spezzare la maledizione, scrivere e non lasciare che sia il tempo a portarsi dietro le fatiche, le fantasie e le ambizioni di chi scrive. Da tempo CAM cerca di valorizzare e coinvolgere nel proprio progetto nuove forze pronte a condividere le medesime passioni ed in questo caso ha deciso di farlo per mezzo di una raccolta di racconti, costruita volutamente su una molteplicità di autori, e dunque su una molteplicità di forme narrative. Un lavoro di selezione che infine ha condotto a questo libro, che non vuole limitarsi a un solo episodio e che spera di rinnovarsi in una collana che, nel bene e nel male, sia in grado di offrire una fotografia di una realtà ‘sommersa’ per troppo tempo taciuta.

«Lo scrivere, poco o tanto, è anche occasione di conoscenza, di sé e degli altri, di riflessione, di autoanalisi. (…) Scrivere ha sempre delle conseguenze, in primo luogo su chi scrive. Il compito del lettore, in questo caso, è quello di seguire con attenzione intenzioni, ambizioni e anche paure delle nuove generazioni che si affacciano agli orizzonti della scrittura e del senso»
Guido Baldassarri

WRITE NOT DIE contiene racconti di:

Antonio Lauriola
Alberto Bullado
Chiara Pasin
Isacco Tognon
Tommaso De Beni
Martina Daraio
Mattia Gazziero
Damiano Gui
Massimo De Beni
Emanuele Caon
Rosita Pederzolli
Stefano Renga

Per ordinare o acquistare il libro clicca sulla copertina di WRITE NOT DIE qui sotto.

Giunge alla sua conclusione la rassegna di arte contemporanea Nuovi Segnali 2011 promossa da Progetto Giovani di Padova.
Guido Bartorelli, uno dei promotori dell’ iniziativa e professore dell’Università, introduce la presentazione e i curatori, suoi alunni del Dams, ringraziando chi come lui ha creduto e collaborato a questo progetto. Spiega, Bartorelli, che la mostra era destinata al secondo incontro del ciclo di esposizioni previste, ma che per motivi tecnici è scalata alla sua fine.
Forse non è stato, però, un cattivo accidente scegliere il gioco come ultimo tema per raccontare l’ arte: sono Maria Tomasello, Michele Rongaroli e Giorgia Oregio Catelan, in particolare, a raccontarcela.

Maria Tomasello – a cura di Serena Russo

Le opere di Maria Tomasello, pittrice e installatrice di cui troviamo un book personale all’ingresso della mostra, sono poste in diversi punti della mensa: per Nuovi Segnali 2011 costruisce un Tetris gigante con pezzi di cartone colorati di vernice spray e li colloca alcuni sopra la pareti, tra i tavoli, e altri sui distributori automatici di bibite. Su ciascun pezzo, inoltre, si può riconoscere il segno grafico dell’ artista, suo inconfondibile tratto.
La sua ricerca, scrive Maria nel libro di presentazione, mira ad essere poesia visiva, nel senso strutturale della parola. Il suo lavoro, continua, sfugge da qualsiasi intento figurativo, è privo cioè di spessore materico: il segno non è definito in sé, ma dipende dal contesto in cui è posto, è ritmo visualizzato, irregolare, dinamico, volatile, è un’ ornamento grafico, come appunto del suo Tetris.

Michele Rongaroli – a cura di Valeria Venturin

Michele Rongaroli, invece è un fotografo e sceglie, per il tema del gioco di ritrarre dei videogiocatori nel loro habitat abituale, nella camera da letto o in soggiorno.
Siamo così abituati, quotidianamente, a scorrere davanti agli occhi delle foto che non ci rendiamo conto quando la fotografia si sta raccontando: bisogna innanzitutto imparare a leggere la foto non come immagine, ma come testo, imparare cioè a riconoscere quel rapporto nascosto di segni e dettagli che costruisce il linguaggio fotografico.
Prendiamo allora una delle foto di Michele( foto 10): il soggetto è posto al centro perfetto, grazie a un corretto uso della legge dei terzi, ed è seduto, sul suo divano, con il suo computer, posizione e luogo forse prediletto dal giocatore per le sue partite. La foto non è costruita, si limita a documentare e mostrare un personaggio, non per giudicarlo, ma per sforzare lo spettatore a stimolare la sua sensibilità e a porsi, dunque, delle domande.
Un’ aiuto in più c’è dato dall’ottica scelta dall’artista, un grandangolare (probabilmente un 16 mm) che, grazie alla sua leggera distorsione allarga lo spazio e lo rende personaggio, come i suoi soggetti.
Il rapporto allora tra individuo e spazio ci induce a interrogarci su quale ruolo abbia l’ambiente raffigurato: la stanza diventa forse una scatola, entro cui il giocatore ambienta le sue guerre, le sue battaglie, la stanza s’affolla di personaggi, mostri, paure, maghi, di cui il giocatore diventa eroe. Quale genere di solitudine si nasconde allora nella sua mente?

Giorgia Oregio Catelan – a cura di Sofia Stefani

Giorgia Oregio Catelan è, infine, una disegnatrice e realizza un fumetto, ambientato negli anni novanta. La protagonista, Rebecca, è una bambina ormai adolescente che si prepara ad affrontare la maturità, la fase forse più delicata della nostra crescita.
Rebecca realizza che anche diventando adulta, la spensieratezza e il gioco diventano strumenti indispensabili per la propria vita, e perciò non devono essere dimenticati: il gioco diventa così un modo di porsi di fronte alle difficoltà e alle sfide ma soprattutto, l’ istinto con cui imparare a riconoscere le amicizie occasionali da quelle autentiche.
Forse è questo crescere: imparare a rinnovare il gioco, nonostante le vicissitudini della vita.

Questa ultima mostra di Nuovi Segnali 2011 sembra pertanto raccontarci qualche segreto in più: l’arte, che sia un segno grafico che corre rotolandosi su di un foglio, che sia una casuale ma studiata fonte di luce, che sia un fumetto, nasce dallo stesso spirito di gioco con cui, da piccini, si morsicava un pezzo di plastica per capire a cosa servisse e qui, questa sera, ce lo siamo raccontati ancora una volta.

NUOVI SEGNALI 2011
20 giovani curatori per 20 artisti emergenti
un progetto di Guido Bartorelli, Giovanni Bianchi e Stefania Schiavon
RistorEsu San Francesco
via San Francesco 122, Padova
Mostre visitabili negli orari di apertura della mensa
Dal 19 ottobre al 30 novembre
Ingresso libero

19 ottobre – 26 ottobre
Serena Pea a cura di Chiara Gabellotto
Sofia Battisti a cura di Tiziano Rizzi
Valeria Giordano a cura di Elisa Beraldo
Francesca Bellussi a cura di Giorgia Costenaro

26 ottobre – 2 novembre (rinviata al 30 novembre)
Maria Tomasello a cura di Serena Russo
Michele Rongaroli a cura di Valeria Venturin
Giorgia Oregio Catelan a cura di Sofia Stefani

2 novembre – 9 novembre
Alice Tioli a cura di Francesca Vignato
Francesco Grani a cura di Fabrizio Dante
ester Baruffaldi a cura di Elisa Benetti

9 novembre – 16 novembre
Anastasia Moro a cura di Gioia Nicoletti
Giulio Escalona a cura di Nicole Cardin
Sonja Lemke a cura di Anna Sapio

16 novembre – 23 novembre
Valentina Corradi a cura di Paolo Radin
Livia Caputo  cura di Patrizia Capovilla
Diego Boischio a cura di Simona Crescione

23 novembre – 30 novembre
Matteo Mariotto a cura di Francesca Borghesi
Lorenzo Mazzi a cura di Sabina Bassetto
Lara Monica Costa a cura di Luca Broglia
Luca Lunardi a cura di Lucia Pinzani

Negli anni del maccartismo, Ira Ringold, noto come Iron Rinn, è un attore radiofonico di successo  nella trasmissione Liberi e audaci. Attivista sindacale e membro del partito comunista americano, prima di immergersi sotto i riflettori della ribalta, è stato scava fossi, bracciante, garzone, scaricatore di porto, nonché soldato dell’esercito, ove legherà con Johnny O’ Day che lo inizierà all’ideologia marxista. Instancabile sostenitore di cause perse, come la difesa degli afroamericani e la denuncia dell’antisemitismo, convola a nozze con la bellissima Eve Frame, star del cinema muto  e attrice radiofonica di successo anch’ella. Grazie a questa unione (e anche alla fama derivatagli da Liberi e Audaci) viene proiettato nel mondo dell’alta borghesia americana, con annessa casa di lusso a Manhattan, e  malgrado «l’eroica purezza» conservata, finisce per trovarsi invischiato da quelle stesse ipocrisie che aveva tanto vituperato. Dopo una travolgente passione, infatti, il nostro eroe dovrà fare i conti col passato burrascoso di Eve che porterà in dote, oltre all’insicurezza viscerale della moglie, la figlia della stessa, Sylphid, frutto di un matrimonio precedente. Iron vede quindi i suoi sogni (tipicamente borghesi) – quali un matrimonio felice e tranquillo e il desiderio di paternità – frantumarsi contro la gelosia della figlia per la madre. L’influenza inappellabile e macabra esercitata dalla figlia sarà talmente profonda e avvolgente da convincere Eve ad abortire il figlio di Iron. Egli, a differenza del lettore che avrebbe già soppresso l’odiosa Sylphid, motivato a tutto pur di raggiungere la tranquillità coniugale, firma un contratto per un appartamento a due passi da casa, ne paga la cauzione e l’affitto per un mese e propone alla moglie di farvi trasferire la figlia. Malgrado l’approvazione di Eve, l’operazione non è affatto gradita alla figlia, la quale, in tutta risposta, sedendosi cavalcioni sulla madre supina le urlerà: «Possibile che tu non riesca a tener testa a nessuno? Prenderai le parti di tua figlia, una buona volta, contro di lui?»

L’unica via di fuga per Iron da queste situazioni paradossali sono gli incontri e le uscite col giovane Nathan, conosciuto a casa del fratello Murray Ringold, professore del ragazzo. Nel ragazzo Iron vede un figlio verso cui indirizzare quell’amore e quell’educazione che aveva serbato per un nascituro mai arrivato. Assieme ad Iron, Nathan conosce la politica, la vita, la classe operaia, la possibilità di un mondo più giusto e l’America, con le sue bellezze e le sue brutture. Brutture che negli anni cinquanta andavano condensandosi nella «caccia alle streghe» contro la minaccia comunista e che braccheranno anche un personaggio di fama e successo come Iron.

Insoddisfatto dalla moglie, Ira, dopo un tira e molla fatto di fughe di casa, pentimenti e ritorni, scappatelle extra matrimoniali, si trova ad affrontare non solo la fine della vita coniugale con Eve, ma anche l’allontanamento dalla radio e, a rendere ancor più drammatica la sua rovina, la pubblicazione di Ho sposato un comunista in cui Eve Frame accusa l’ex marito di essere un comunista, di aver ospitato spie russe in casa e  ricercati dall’FBI.

La misera solitudine che colpirà Iron non risparmierà nemmeno Eve, la quale, caduto il clamore successivo all’uscita del libro, subirà la stessa sorte. La frustrazione di Iron, dovuta alla sconfitta personale (il fallimento del matrimonio, le accuse di Eve) e politica (lo squagliamento del partito comunista), sarà causa di risentimento profondo contro la moglie e lo porterà ad architettare una vendetta che non avrà altro risultato se non quello di consegnare entrambi all’oblio collettivo, lontani da quel clamore e successo, di cui erano stati protagonisti.

Romanzo ambizioso,  è capace di tenere assieme pubblico e privato, coppia dicotomica che non si riduce alla semplice narrazione del matrimonio di Eve ed Iron e della «caccia alle streghe», bensì è il detonatore di una più ampia riflessione sugli aspetti intimi e politici della società degli anni cinquanta quali l’ipocrisia del pettegolezzo, la vendetta, l’antisemitismo (sia americano quanto sovietico) la gelosia e i soprusi di uno Stato che, proprio in quelli anni, si candidava a campione della democrazia.

Le vicende sono narrate tramite le conversazioni tra Nathan e il suo pofessore, Murray Ringold, fratello di Ira, rincontratisi molti anni più tardi. Insieme rievocano le vicende di Eve e Ira, ma anche le loro personali, in un gioco ad incastro in cui tutto è teso a fornire al lettore la più nitida e profonda conoscenza dei personaggi e del loro ambiente. Malgrado in alcune parti, comunque poche, l’autore intrecci la vita delle sue creature con altre che non servono ai fini narrativi, il romanzo risulta, nel complesso, particolarmente riuscito, sia per l’abilità con cui Roth accompagna il lettore attraverso eventi, fatti e luoghi che, per quanto incrociati, risultano di facile fruizione, sia per la minuziosa attenzione ai dettagli che, ben lontana dall’appesantire la storia, è latrice di sfumature ed echi che meglio inquadrano e rendono godibile gli eventi raccontati.

Philip Roth, Ho sposato un comunista, Torino, Einaudi, 2000.

di Emanuele Caon.

Siamo giunti al sesto appuntamento di Nuovi Segnali 2011, che ricordo non essere l’ultimo in quanto la seconda esposizione della mostra verrà recuperata la prossima settimana (salvo ulteriori rinvii dal 30 novembre al 7 dicembre).

Per quanto riguarda l’esposizione in corso, questa volta gli artisti coinvolti non sono tre ma quattro, così come era successo durante la prima rassegna. Un titolo che accomuni le opere di tutti i giovani artisti presenti è difficile da trovare, perché un percorso, un’idea comune di lavoro non appare chiara e forse nemmeno esiste.

Se però dovessi assegnare un filo conduttore a quest’ultima esposizione lo ricondurrei al contrasto familiarità ed estraneità, in quanto si riconosce nelle opere qualcosa che ci è vicino, di noto e nello stesso tempo si percepisce qualcosa di lontano, di sconosciuto. Che poi la mancanza di conoscenza si manifesti come una scarsa consapevolezza di sé, della propria spiritualità, dei legami con l’altro sesso, di altre culture, di persone provenienti da altri paesi o di richiami orientali poco importa, sempre dell’ignoto di tratta. Ecco che allora il motivo accumunante mi sembra un incontro tra ciò che è conosciuto e ciò che non lo è, tra quello che è familiare e quello che è estraneo.

Luca Lunardi

L’artista, classe ’80, laureato in Lettere presso l’Università degli Studi di Padova e specializzato in Storia e critica del cinema ha già partecipato a diversi progetti come: Padova Aprile Fotografia 07,  Che ci faccio qui? nel 2009 e quest’anno al Festival internazionale di videoarte di Ferrara  The Scientist.
Lunardi, curato per Nuovi Segnali 2011 da Lucia Pinzani, espone la sua opera di videoarte dal titolo Toccato. Il video inizia dalla ripresa di un uomo intento a mangiare un piatto di spaghetti, ottimo modo per catturare l’attenzione dei frequentatori della mensa e per stimolarne fin da subito l’appetito fisico e conoscitivo. L’opera è volutamente ambigua ed enigmatica, lo spettatore infatti è spinto a cercare il significato di ciò che gli compare davanti agli occhi. Una banale scena di vita quotidiana, un mangiatore di spaghetti, lascia spazio gradualmente ad un duello tra due schermidori, che dall’ombra passano in primo piano, accompagnati da un graduale aumento del rumore delle forchettate che si tramuta poi in colpi di spada. Ci si trova quindi difronte ad una sensazione di estraneità, i conflitti interiori del protagonista, i suoi disagi, sembrano materializzarsi attraverso la rappresentazione dei due avversari che si affrontano con le spade. Ma la realtà che ci appare e la sua presa di coscienza non tarda a lasciare il segno, il protagonista ricompare in scena con la maglietta sporca di sugo di pomodoro, quasi come fosse una ferita, e tenta un’ultima difesa presentandosi con addosso una maschera da scherma.
Il video è carico di una forte teatralità, non solo perché realizzato presso il teatro popolare di ricerca di Padova, ma perché è girato con un unico piano sequenza che valorizza le azioni dei protagonisti e crea un’atmosfera pittorica. Luca si rifà al concetto freudiano del perturbante e al teatro dell’assurdo, e il titolo dell’opera, Toccato, sembra suggerirci, oltre che l’espressione legata al gergo schermidore, che la visione del filmato dopo aver, appunto, toccato i suoi spettatori li vuole spingere ad un’indagine sul rapporto di visibile e realtà, tra esterno ed interno, tra la foga di affermazione dell’io e l’autocontrollo. Insomma siamo al cospetto di un’opera enigmatica, che si presta a diverse interpretazioni e riflessioni: l’aggressività dei rapporti umani, il desiderio di prevaricazione sugli altri e sull’altro sesso, il nostro inconscio tenuto nascosto ma che una volta rivelato lascia il segno, come la macchia di sugo sulla maglia bianca del mangiatore di spaghetti.

Matteo Mariotto

Vivi e lascia vivere è il titolo della sua opera, un albero appoggiato al muro, il fusto che sale dal basso e si sviluppa nei rami funge da collegamento tra il pavimento e le quattro tele. E proprio dal basso verso l’alto sembra scorrere il flusso vitale dell’opera, che passa dalla tridimensionalità dell’albero alla bidimensionalità della pittura.
Anche solamente a vederle da lontano le tele richiamano immediatamente la Street e la Graffiti art, così come confermato dalla curatrice Francesca Borghesi, che si esprime anche sulla forte influenza dell’arte orientale su quest’opera del giovane artista. Infatti avvicinandosi, si capisce che l’albero è un ciliegio, tipico per la tradizione paesaggistica giapponese, ed è proprio l’oriente a riempire di significato l’opera. Sono forti le influenze del Neo-Pop nipponico e l’ispirazione a Takashi Murakami. Per accorgersene è sufficiente osservare lo strano personaggio creato da Mariotto, vago richiamo a Mr. Dob, privato, però, del sorriso sintetico e invaso da una maggiore realtà. Altri forti richiami dal Sol Levante provengono dalle xilografie giapponesi di matrice ukiyo-e, le stampe di Hirosighe ne sono un esempio.
La creazione dell’artista oscilla quindi fra diverse influenze, moderne e contemporanee,  realismo e astrattismo, accademismo e action painting. Un divertente accumulo di stili, che ci dà il senso del libero arbitrio dell’arte e che rimanda, quindi, ad un’altra libertà: quella delle esistenze. Un albero secco di ciliegio sale verso l’alto, i suoi rami prendono strade diverse, tutte percorribili, e si colorano in punta, collegandosi idealmente alle tele. Quattro tele realizzate in acrilicono colorano la possibilità di scegliere il futuro. La Street Art e l’oriente arrivano in casa nostra.

Lara Monica Costa

Per la mostra di Nuovi Segnali 2011, sotto la cura di Luca Broglia, presenta sette opere realizzate con tecniche calcografiche. L’artista nata nel 1987, frequenta l’Accademia di Belle Arti di Venezia e trova nelle tecniche incisorie il mezzo d’espressione migliore per esprimere il proprio stile.
L’incisione diviene in Costa il mezzo congeniale per sviluppare un processo di esplorazione di sé. Nelle opere qui presentate lo spazio è riempito dalla confusione delle linee, ma emergono dettagli che appaio carichi di magia e di fascino. Questa tecnica è, infatti, legata ad una tradizione antica ed esoterica con la quale l’artista cerca di esprimere l’idea di continua trasformazione del corpo e della materia. Come spiega Luca Broglia, queste opere nascono da un gesto istintivo e di forza, l’incisione, atto vitale, simbolo di uno scavo nella propria interiorità. La prima sensazione è quella di confusione, tutto lo spazio è riempito da linee, da segni poco comprensibili che lasciano, però, gradualmente lo spazio a delle immagini che a mano a mano si rivelano. Figure di donne in posizioni dal forte richiamo sessuale stimolano il fascino in chi osserva l’opera d’arte. Per l’artista infatti il tema di maggiore interesse è proprio l’Eros e la sua sacralità, una ricerca di una possibile ricongiunzione vitale e di unità tra l’uomo e la donna, opposti e complementari che cercano di essere possibili parti di un’unica creazione.
L’unione tra ciò che è fisico e ciò che è spirituale si presenta oggi minato dalla mancanza di armonia nella società, che deve ritrovare l’essenza di sé e per farlo deve compiere un ritorno alle origini, purificandosi in un percorso verso la spiritualità. L’incisione, tecnica antichissima, rappresenta un perfetto ritorno all’essenza, all’unificazione del tutto.

Lorenzo Mazzi

L’opera si presenta come una cartografia della città di Padova, in cui alcune zone sono state sostituite con pezzi di altre cartine, che si capisce essere quelle di città straniere. A guardare bene lo spazio circostante all’opera si nota che i pezzi sostituiti della cartina di Padova sono stati attaccati sulle pareti della mensa.
La creazione di Mazzi intitolata Tutte le strade portano, curata da Sabina Bassetto, nasce dall’interesse di capire come il Comune di Padova si relazioni con la realtà dell’immigrazione, tema centrale e controverso per tutto il suo territorio, così come lo è per tutta l’Italia.
Questa volontà di conoscere la gestione dell’immigrazione a Padova, ha portato l’artista e la sua curatrice a relazionarsi con diversi enti ed istituzioni della città. Scoprendo e focalizzandosi sulla figura dei facilitatori interculturali, 5 uomini e 5 donne stranieri, in possesso del permesso di soggiorno, con conoscenza della lingua e della cultura italiana, che svolgono la loro attività per le strade della città. La loro funzione è quella di favorire la comunicazione tra Comune e cittadini, italiani e stranieri, raccogliendo segnalazioni di problemi e difficoltà. Il luogo di incontro fra persone di origini diverse diviene luogo di scontro ma anche di conoscenza dell’altro.
Il facilitatore svolgendo la propria attività in strada, nei percorsi prestabiliti, diviene il simbolo dell’integrazione, che da concetto astratto si trasforma in realtà concreta e visibile. Ecco allora che la cartografia di Padova si trasforma, i luoghi in cui i facilitatori interculturali svolgono la loro attività quotidiana vengono sostituiti con le mappe delle città da cui provengono o a cui si sentono maggiormente legati. E i pezzi tagliati dalla mappa di Padova vengono collocati sulle pareti della mensa, in direzione delle città d’origine dei facilitatori. Tutte le strade portano diviene il simbolo del difficile percorso per l’integrazione, fatto di incontri, di scontri, di scambi fra diverse culture, un percorso che esce dalla pura astrazione e si fa reale perché intrapreso quotidianamente sul suolo cittadino. La realtà viene allora rappresentata attraverso un intervento d’arte relazionale.

NUOVI SEGNALI 2011
20 giovani curatori per 20 artisti emergenti
un progetto di Guido Bartorelli, Giovanni Bianchi e Stefania Schiavon
RistorEsu San Francesco
via San Francesco 122, Padova
Mostre visitabili negli orari di apertura della mensa
Dal 19 ottobre al 30 novembre
Ingresso libero

19 ottobre – 26 ottobre
Serena Pea a cura di Chiara Gabellotto
Sofia Battisti a cura di Tiziano Rizzi
Valeria Giordano a cura di Elisa Beraldo
Francesca Bellussi a cura di Giorgia Costenaro

26 ottobre – 2 novembre (rinviata al 30 novembre)
Maria Tomasello a cura di Serena Russo
Michele Rongaroli a cura di Valeria Venturin
Giorgia Oregio Catelan a cura di Sofia Stefani

2 novembre – 9 novembre
Alice Tioli a cura di Francesca Vignato
Francesco Grani a cura di Fabrizio Dante
ester Baruffaldi a cura di Elisa Benetti

9 novembre – 16 novembre
Anastasia Moro a cura di Gioia Nicoletti
Giulio Escalona a cura di Nicole Cardin
Sonja Lemke a cura di Anna Sapio

16 novembre – 23 novembre
Valentina Corradi a cura di Paolo Radin
Livia Caputo  cura di Patrizia Capovilla
Diego Boischio a cura di Simona Crescione

23 novembre – 30 novembre
Matteo Mariotto a cura di Francesca Borghesi
Lorenzo Mazzi a cura di Sabina Bassetto
Lara Monica Costa a cura di Luca Broglia
Luca Lunardi a cura di Lucia Pinzani

di Antonio Lauriola.

La quinta[1] esposizione della rassegna Nuovi Segnali 2011, tutta allestita su un’unica parete – quella di fondo – della mensa di via San Francesco, sembra voler celare la complessità delle opere dei tre artisti selezionati tra i numerosi dell’archivio GAI. I numerosi presenti all’evento di inaugurazione del 18 novembre si accorgono subito dell’inganno.

Pur rinunciando alla scelta di una nomenclatura, di un tema comune, infatti, la mostra può essere espressione dell’interrogazione – antica e immortale – sulla questione dell’identità. Non  sono risposte, si badi, ma tre visioni: le opere in mostra sono figlie di distinti approcci al fatto artistico ma ciascuna – che si tratti di volti di fanciulli, di scimmie in corteo, o di forme e segni – rivela una riflessione, da parte dell’autore, su questo tema.

Livia Caputo.

Romana, dopo aver frequentato il Liceo Artistico “Modigliani” di Padova, si è diplomata nel 2003 presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia occupandosi principalmente di scultura. In seguito si è dedicata alla pittura, soprattutto con tecnica a olio, con particolare attenzione alla ritrattistica. Vive e lavora a Padova e, dal 2004, ha esposto in varie gallerie e partecipato a concorsi nazionali e internazionali. Per Nuovi Segnali è stata curata da Patrizia Capovilla.

L’opera esposta, Il mondo di domani, è realizzata attraverso l’uso di oli diluiti al punto da sembrare acquerelli e dai tratti spesso definiti da graffi di matita. La scelta di una cromia acida sembra riportare l’atmosfera climatica di questi giorni ma per rappresentare, paradossalmente, quaranta ritratti di volti infantili, ciascuno impresso su altrettante tavole telate accostate in una griglia di 5*8 a comporre un unico, grande quadro.

Come spiega la curatrice, «l’opera è sintesi dell’essere artista e donna, nonché genitrice» e alcuni dei ritratti rappresentano i suoi figli che, presenti all’inaugurazione, non perdono l’occasione di ritrovarsi e indicarsi tra le tele con l’orgoglio proprio della loro età. La stessa che garantisce la genuina verità di quelle espressioni, mai artificiose o immobilizzate, ma fissate nell’inevitabile scorrere del tempo quasi in appello al bambino che siamo stati o all’adulto che diventeremo.

Osservando da vicino le singole tavole si può facilmente immaginare la dedizione dello sguardo dell’artista verso i piccoli modelli: i tratti di pennello sono metaforiche carezze ricambiate dai loro sguardi curiosi, divertiti, a volte annoiati o stanchi ma sempre, inequivocabilmente, complici. Basta, però, fare qualche passo indietro e tentare una visione d’insieme dell’opera per essere colti dalla sensazione ibrida di turbamento e serenità tipica dell’esperienza onirica. Come nel sogno, infatti, le immagini si rincorrono e sembrano mutare l’una nell’altra senza soluzione di continuità fino a sfociare, in prossimità del risveglio, in una rivelazione inafferrabile.

Diego Boischio.

La principale area d’interesse del giovanissimo artista padovano (classe ’89), che si sta formando alla Scuola Internazionale di Comics,  è – come si legge nel foglio di sala – quella dell’illustrazione per l’infanzia. Ma si capisce subito, guardando la sua opera esposta, una vena più underground e graffitara. È accompagnato dalla curatrice Simona Criscione che spiega la poetica e l’opera: una scimmia antropomorfa abbigliata in tipico stile baggy rivolge lo sguardo all’osservatore mentre tiene un cartello sul quale è raffigurato un cervello. Sullo sfondo, e in tinta con esso, altri manifestanti procedono verso destra.

Lo sguardo del soggetto principale, colto quasi di sorpresa, sembra interrogare lo spettatore abbattendo il muro tra l’opera e il pubblico, volente o nolente coinvolto dalla situazione raffigurata: una manifestazione di protesta fortemente legata all’attuale condizione dei giovani studenti. Se la prima impressione è che si tratti di una maschera, basta guardare l’anonimo gruppo in secondo piano che sfoggia gli stessi lineamenti per cambiare idea. L’adozione della scimmia come simbolo umano è topos culturale ed elemento ricorrente nella produzione di Boischio. L’animale, noto per la sua intelligenza e il suo grado evolutivo, è stato scelto in quanto spesso vittima di strumentalizzazione a scopi esibizionistici e spettacolari: un processo molto simile a quello che si verifica oggigiorno nei confronti dei giovani che protestano e manifestano nei cortei dove le ragazze e i ragazzi sono privati delle proprie identità e ridotti all’anonimato della folla. E come nelle immagini quotidianamente proposte dai media, succede che l’obiettivo di telecamere e macchine fotografiche ne immortali qualcuno isolandolo.

C’è una forte carica sociale in quest’opera, ben espressa anche dalla scelta della superficie, una tavola di legno pressato, e dallo stile riconducibile – dalla scelta cromatica al disegno – al mondo del writing.

Valentina Corradi.

Nonostante la giovane età, l’artista mestrina ha già alle spalle numerose mostre in Italia e all’estero. Per Nuovi Segnali presenta cinque tavole dipinte a tecnica mista per un’opera intitolata Alle origini affidandosi alle cure di Paolo Radin.

Nel panorama odierno – spiega Radin – il ruolo di produzione di immagini (e immaginario), un tempo delega dei soli artisti, sembra essere passato in mano a una nuova categoria, quella dei “creativi” che, sostenuti dall’universo mass-mediatico e dalle moderne tecniche, stanno relegando gli artisti intesi in senso classico in un mondo distante e dissociato dalla quotidianità. In aperta opposizione a questo trend, Valentina Corradi sostiene fermamente la necessità di un rapporto manuale e materiale con la produzione artistica: le sue opere sono figlie del suo lavoro diretto sulla superficie pittorica, attraverso l’uso esclusivo di segni e colori non ancora sfociati nella figurazione.

Chi osserva questi quadri è invitato a partecipare attivamente al fatto pittorico pensando all’evoluzione che quelle forme, quelle linee e quei colori potranno subire, come se l’opera fosse ancora in nuce. Sarebbe, però, un errore pensare a un non finito perché le tavole sono quelle e tali rimangono, offrendosi come molecole, particelle di un divenire incessante e mai concluso, se non nell’immaginario dell’osservatore.

La riflessione meta-artistica dell’autrice è una proposta di superamento del postmoderno e di buona parte dell’arte contemporanea, sovrabbondante di elementi accessori e spesso autentica solo nell’idea ma realizzata per delega industriale. È il ritorno all’essenzialità del “primario” che passa anche attraverso il ricorso a luminescenze discretamente celate tra filamenti e globuli dalle cromie essenziali.

L’ultimo romanzo di Paul Auster è a mio avviso un esempio dell’esistenza di una linea realista (o per meglio dire realistica) all’interno del postmoderno. La critica tematica e gli studi di genere hanno dimostrato negli ultimi anni come nella letteratura postmoderna (o postmodernista) il soggetto corporale tenda ad assumere un ruolo e un peso non indifferenti. Secondo Giorgio Mobili esiste una serie di scrittori postmodernisti americani (tra cui Pynchon, Vonnegut e De Lillo) nelle cui opere il linguaggio è sospeso tra «soggetto ed escremento», con l’effetto e lo scopo di ridare la giusta importanza (in barba alla “virtualità” spesso rinfacciata al postmoderno) alle cose e ai corpi, quindi alla realtà. Sunset Park si inserisce pienamente in questa corrente, sempre se tale si possa definire,  tanto che uno dei personaggi arriva a sostenere che «il corpo umano è uno strumento di conoscenza»; ma non è solo la centralità dei corpi e degli oggetti (spesso in conflitto tra loro) a farmi rimembrare alcune caratteristiche del postmoderno. Il romanzo infatti è ambizioso, nel senso che ambisce alla totalità della rappresentazione, non limitandosi a seguire il classico percorso di un personaggio e nemmeno a narrarci con voce onnisciente grandi intrecci. I personaggi vengono presentati uno alla volta e sempre si alternano tramite dei capitoli-didascalie, per poi scoprire gradualmente i legami che li tengono uniti e le vicende che intersecano le loro vite. Una tecnica molto usata nel cinema, e non a caso Auster è grande amico di Wim Wenders, a sua volta sceneggiatore e regista. Uno dei leitmotiv che ritorna spesso nel corso del romanzo è un film del 1946 su un momento chiave della storia americana, che alla fine del libro tutti i protagonisti hanno visto e che spinge quindi a delle riflessioni e a dei confronti. Oltre al mondo del cinema e del teatro Auster “mette dentro” quello della letteratura e dell’arte, in modo da creare un livello autoreferenziale ad alto tasso intellettuale.

La cornice entro cui si muovono i personaggi è quella della crisi economica tra Bush e Obama (vista e vissuta in maniera differente a seconda anche dell’età dei protagonisti), anche se non mancano riferimenti al passato, raccontato attraverso i ricordi oppure attraverso il cinema o l’almanacco del baseball. Sono riscontrabili inoltre elementi tipici della tragedia shakespeariana e della fiaba, come per esempio l’amore ostacolato da un parente invidioso.
Nonostante alcune eccentricità narrative e strutturali, il romanzo riesce perfettamente a delineare la personalità e la psicologia dei personaggi, nonché a rappresentare un quadro realistico e credibile fatto di cose, situazioni, accadimenti, pensieri e soprattutto sentimenti umani, ma anche di una grande rappresentazione di Brooklyn e New York. L’impressione finale è quella di un bellissimo romanzo, che lascia il segno e che una volta finito di leggere si vorrebbe iniziare di nuovo.

Paul Auster, Sunset Park, Torino, Einaudi, 2010.